Up regia di Pete Docter

Vivono nel regno del silenzio; anche i bambini capiscono gli haiku. Sono pennellate d’inodore comprensione interiore, ci parlano con il linguaggio dell’impalpabilità, non si possono comprendere, non esistono, eppure si manifestano e cambiano la nostra vita. Il silenzio è la colonna portante della fabbrica dei sogni chiamata Pixar Animation Studios: qui si parla per immagini, la parola non parla, edulcora. Si provi ad immaginare i fratelli Dardenne che parlano ai propri figli prima che questi si addormentino…questa è la Pixar. La visione culla del verbo. Mentre quindi le altre case di produzione (Dreamworks e Blue Sky in primis) persistono nella ricerca della facile soluzione immediata e nell’esibizione di intuizioni tanto efficaci quanto ormai vetuste, la Pixar, autentico fiore nel deserto, poesia inflitta alla sala consumista, non smette mai di abbagliare per il connubio tra profondità poetica, “autoriale”, ed immediatezza: sono gioielli che assecondano le richieste del pubblico più ingenuamente candido (ma non certo stupido), vale a dire i bambini, e allo stesso tempo soddisfano l’esigenza da parte del pubblico più maturo e preparato di uno spessore artistico che ha quasi sempre del miracoloso.

Pete Docter, unico finora tra i registi Pixar ad essere fermo ad un solo film diretto, ci aveva lasciato con uno dei momenti più alti e intensi della storia della Pixar e del cinema d’animazione: un cliffangher che toglie allo spettatore un senso di fortissimo disagio, una consapevolezza di trovarsi al posto sbagliato nel momento sbagliato…una porta si apre e il cineocchio, comprendendo il nostro disagio, ci accompagna all’uscita in dissolvenza…

Monsters & Co., per quanto non sia (ad avviso del recensore naturalmente) tra i migliori lavori della casa di Luxo Jr., vanta due scene di portata epica: l’appena nominato finale e naturalmente la celeberrima scena delle porte, tra le vette massime raggiunte nel campo del surrealismo cinematografico. L’attesa per questa opera seconda era quindi giustamente molto alta e Docter non ha affatto deluso, confermando (tantissimi) pregi e (pochissimi) difetti. L’inizio del film riporta alla mente una delle scene più famose di Toy Story 2, quella del flashback cantato di When She Loved Me, 3 minuti di angosciosa tristezza in cui vengono condensati in climax l’euforia della giovinezza e della vita, il dolore dell’abbandono, l’eternità degli addii e la stasi della solitudine; qui, dopo un iniziale omaggio ai cinegiornali adottato per introdurre il tema principale del film e un personaggio fondamentale nella seconda parte, l’impatto è il medesimo: un flusso di fotogrammi ci rende nota la vita del protagonista con l’amore della sua vita, toccando temi come l’impossibilità di avere figli e la morte, assolutamente anticonvenzionali e coraggiosi, se si pensa a chi sono rivolte tali immagini.

Lo struggente lirismo del flusso, inoltre, è arricchito da due citazioni estremamente raffinate: il ricorrere della collina ricorda infatti “Father And Daughter” di Michael Dudok de Wit, mentre tutto il film sembra essere pervaso dallo spirito di “La Maison en Petits Cubes” di Kunio Katô. La maggior parte dei registi avrebbe avuto serissimi problemi a proseguire degnamente e invece Docter, autentico talento visionario, stupisce ulteriormente con la magnifica scena del “decollo” della casa, un trionfo di colorate pulsazioni, una scena probabilmente non perfetta e geniale come quella delle porte di Monsters & Co., ma sicuramente emotivamente straordinaria (soprattutto se vista in una sala cinematografica).

Come il suo predecessore Wall-E, Up diventa più formalmente convenzionale nella seconda parte e le avventure di Carl e Russell (il figlio mai avuto), pur garantendo vivacissimo brio e regalando ancora momenti di alta poesia, sono penalizzate da un cattivo, il vecchio pilota, non particolarmente riuscito e anzi piuttosto improbabile. Con Wall-E e Up condivide anche una particolare sensibilità: se infatti il primo invocava una maggiore attenzione e serietà nei confronti dei gravi problemi legati all’ambiente, il secondo sposa la causa animalista (bellissimo il personaggio di Kevin, l’uccello a forte rischio estinzione).

Il limite di Docter sembra ancora trovarsi nella sua sporadica inclinazione alla battuta facile, alla scena costruita unicamente per far scaturire una risata superficiale e fragorosa, all’ammiccamento ruffiano verso il pubblico; ecco quindi il dobermann supercattivo dalla voce ridicola, il combattimento aereo canino e altre “dreamworksate” che davvero stonano in un contesto altrimenti elevatissimo. Ma in fondo importa proprio poco: Up è uno straordinario specchio dell’uomo, della sua fragilità e del suo declino, un Luci della Ribalta senza sipario, un Umberto D in cui la realtà è più bella dell’immaginazione. Ancora una volta la Pixar sembra non avere limiti.

Non ci si può naturalmente dimenticare in conclusione del nuovo capitolo della saga dei corti Pixar, le Silly Symphonies del post-moderno. Partly Cloudly, di Peter Sohn (che sembra aver ispirato le fattezze di Russell), è uno dei mini-lavori più mirabili, perché racchiude l’essenza della poetica Pixar: silenzio, essenzialità, semplice profondità. È infatti tutto molto semplice: i bambini, come tutti i piccoli esseri viventi, vengono portati dalle cicogne e nascono grazie alle nuvole; la cicogna più sfortunata deve trasportare le creazioni della nuvola più sfortunata, ovvero quella che dà la vita agli animaletti più pericolosi; la pazienza (e l’incolumità) della cicogna viene messa a durissima prova, ma alla fine tutto si sistema. Perché quel che conta è volersi bene. E la vita è più bella…da quando c’è il miracolo Pixar.